La pintura es el arte de
la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias
aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura,
conocimientos de teoría del color y
de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste
en aplicar, en una superficie determinada —una hoja de papel,
un lienzo, un muro,
una madera, un
recorte de tejido, etc.— una técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujo, etc. dando lugar a una obra de arte según algunos principiosestéticos.
El arquitecto y teórico del clasicismo André Félibien, en el
siglo XVII, en un prólogo de las Conferencias de la Academia francesa hizo
una jerarquía de géneros de
la pintura clásica: «la historia, el retrato , el paisaje, los mares, las
flores y los frutos».
La pintura es una de las expresiones
artísticas humanas más antiguas y una de las siete Bellas Artes. En la estética oteoría del arte modernas la pintura está
considerada como una categoría universal que comprende todas las [[[obra de
arte|creaciones]] artísticas hechas sobre superficies. Una categoría aplicable
a cualquier técnica o tipo de soporte físico o material, incluyendo los
soportes o las técnicas efímeras así como los soportes o las técnicas
digitales.
Una pintura es el soporte pintado,
sea un muro, un cuadro, o una lámina. La palabra pintura se
aplica también al color preparado para
pintar, asociado o no a una técnica de pintura, en este sentido es empleado en
la clasificación de la pintura atendiendo a las técnicas de pintar, por
ejemplo: «pintura al fresco»
o «pintura al óleo».
La clasificación de la pintura puede
atender a criterios temáticos, como la «pintura histórica" o la
"pintura de género». O a criterios históricos basados en los periodos de
la Historia del Arte;
como la « pintura prehistórica»,
la «pintura gótica» y en
general de cualquier período de la historia de la pintura.
Las pinturas son obras de arte, atendiendo a su sentido estético Ernst Gombrich dice que:1
No
hay nada de malo en que nos deleitemos con la pintura de un paisaje porque nos recuerda nuestra casa o
en un retrato porque nos recuerda un amigo,
ya que como hombres que somos, cuando miramos una obra de arte estamos
sometidos al recuerdo de una multitud
de cosas que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos.
Gombrich, Historia
del arte (2002)
Y parafraseando a Arnold Hauser:
Las interpretamos (las
pinturas) de acuerdo con nuestras propias finalidades y aspiraciones, les
trasladamos un sentido, cuyo origen está en nuestras formas de vida y hábitos
mentales.
Ernst Bloch en El espíritu de la
utopía (1918), defiende el arte no figurativo, relacionándolo con una
concepción utópica del hombre, como un destino no revelado pero presente de
forma inconsciente en lo más profundo del ser humano.2
Si
la tarea de la pintura fuera ponernos ante los ojos del aire y la preciosa
vastedad del espacio y de todo lo demás, más valdría ir a disfrutar directa y
gratuitamente de todo aquello.
Ernst Bloch, El espíritu de la utopía (1918)
Erwin Panofsky y otros historiadores del
arte, analizan el contenido de las pinturas mediante la iconografía (forma) y la iconología (su contenido), primero se trata
de comprender lo que representa, luego su significado para el espectador y, a
continuación, analizan su significado cultural, religioso y social más
ampliamente.
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Réplica de unas
pinturas de la cueva de Chauvet del
período Auriñaciense.
La historia de la pintura consta desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea,
e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y
cambios, que coincide con la historia del arte en su contexto histórico y
cultural.
El llamado arte parietal de
pintura mural en cuevas, se concentra sobre todo, en ciertas regiones
pirenaicas pertenecientes a Francia y España y en la costa mediterránea en el arte levantino, en muestras inferiores se han
encontrado en Portugal, Norte de África, Italia y Europa oriental. Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se
encuentran en la Cueva de Chauvet en
Francia, fechada por algunos historiadores de unos 32.000 años, de los períodos
entre el Auriñaciense y el Gravetiense, fueron realizadas con ocre de arcilla, rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de manganeso . También cabe destacar las cuevas
de Lascaux y Altamira. Se encuentran dibujados rinocerontes,
leones, búfalos, mamuts, caballos o seres humanos a menudo en aptitud de caza.3
Las imágenes que se observan en las
paredes de las tumbas egipcias de hace unos 5.000 años son escenas de la vida
cotidiana y mitológicas con los rasgos característicos de esquemas de perfil y
utilizando el tamaño de las figuras como rango social. En la Antigua Roma era normal decorar los muros de
las casas y palacios principales y entre las mejores conservadas se encuentran
las de Pompeya y Herculano. En la época paleocristiana se decoraron las catacumbas con escenas del Nuevo Testamento y con la representación de Jesús como el «Buen Pastor», eran figuras estáticas
con grandes ojos que parecían mirar al espectador, este estilo continuó en la
escuela bizantina de Constantinopla. La pintura románica se
desarrolla entre los siglos XII y XIII, siendo las zonas más interesantes las
del Sur de Francia y
las de Cataluña, la mayoría de las
veces eran temas religiosos realizados para los ábsides y muros de las iglesias con
representaciones del Pantocrátor, la Virgen María y la vida de santos. En pintura góticaademás de los temas religiosos se
representan temas laicos principalmente en Francia e Italia, donde destacó la figura el pintor Giotto.4
La Gioconda pintura del renacimientopor Leonardo da Vinci.
En el renacimiento tuvo la pintura una gran
influencia clásica, se desarrolló la perspectiva lineal y el conocimiento de la anatomía humana para su aplicación en la
pintura, también en esta época apareció la técnica del óleo. Fue una época de grandes
pintores entre los que se destacaron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael Sanzio y Tiziano. En la obra de La Gioconda descollan las nuevas técnicas
empleadas por Leonardo, el sfumato y elclaroscuro. Miguel Ángel realizó una de las más
grandes obras pictóricas los frescos de la Capilla Sixtina. Los artistas que más emplearon
temas simbólicos fueron los del Norte de Europa encabezados por los hermanos Jan van Eyck y Hubert van Eyck. En Alemania sobresalió el pintor yhumanista Durero.4
Hipnotizador (1912), de Bohumil Kubišta(Ostrava). Pintura del expresionismo con mezcla del
cubismo.
La Iglesia de la Contrarreforma busca el arte religioso
auténtico con el que quiere contrarrestar la amenaza del protestantismo, y para esta empresa las
convenciones artificiales de los manieristas, que habían dominado el arte durante
casi un siglo, ya no parecían adecuadas, las dos características más
importantes del manierismo eran el rechazo de las normas y la libertad en la
composición, en los colores y en las formas, la novedad de los caravaggistas era un naturalismo radical que
combinaba la observación física detallada con una aproximación, incluso teatral
y dramática mediante el claroscuro, el uso de luz y
sombra. Caravaggio y Annibale Carracci son dos pintores coetáneos,
y considerados decisivos en la conformación pictórica del barroco. La pintura barroca se caracteriza por el
dinamismo de sus composiciones; se distinguieron entre otros Velázquez, Rubens y Rembrandt. En la primera mitad del siglo XVIII se
impuso el rococó, más alegre y festivo que el barroco. Tuvo
especial importancia en Francia yAlemania.
El romanticismo de principios del siglo XIX
expresaba estados de ánimos y sentimientos intensos. EnFrancia el pintor más importante fue Delacroix; en el Reino Unido, Constable y Turner;
en los Estados Unidos, Thomas Cole; y en España, Francisco de Goya. Con la invención de la fotografía a mediados del siglo XIX, la
pintura empezó a perder su objetivo histórico de proporcionar una imagen
realista; elimpresionismo,
con Manet como precursor, es un estilo de
pinceladas sueltas y yuxtaposición de colores que busca reconstruir un instante
percibido, una impresión, sin interesarse por los detalles concretos.5
El inicio del siglo XX se caracteriza por
la diversidad de corrientes pictóricas: el Fauvismo, que rechaza los colores tradicionales y
se acerca a colores violentos; el Expresionismo, que mostraba más los sentimientos
que la reproducción fiel de la realidad; el Cubismo con Georges Braque y Picasso, con la descomposición de las imágenes
tridimensionales a puntos de vista bidimensionales; y la pintura abstracta, heredera del cubismo. El expresionismo
abstracto se desarrolló en Nueva York entre los años 1940-1950, el Pop art llegó un poco después, con un
conocido exponente en Andy Warhol. El minimalismo se caracteriza por la búsqueda de
la máxima expresión con los mínimos recursos estéticos. El siglo XXI demuestra
una idea de pluralismo y las obras se siguen realizando en una amplia variedad
de estilos y gran estética.4
Entierro del Conde
de Orgaz (1586-1588),
de El Greco.Se puede considerar dentro del género de
pintura histórica: describe una leyenda local según la cual elconde fue enterrado
por sant Esteban y san Agustín. En la parte inferior, se describe un
enterramiento con la pompa del siglo XVI; en la parte superior, está
representada la Gloria y la llegada del alma del conde.
Retrato de El doctor Paul Gachet (1890)
por Van Gogh.
Pintura de género: Boda
campesina(1568) por Pieter Brueghel el
Viejo.
Paisaje tipo vedutismo de la Iglesia de Santa
Lucía des del Gran Canal (siglo XVIII)
por Francesco Guardi.
Canasta de fruta (c. 1599) naturaleza muerta por Caravaggio.
Los géneros artísticos, además de
clasificar las obras por temas, han sido la presentación artística a través de
la historia de la pintura,
que ha afectado también la técnica, las dimensiones, al estilo y a la expresión
de las obras de arte. Los autores como Platón (427-347 a. C.), Aristóteles(384-322 aC) y Horacio (65-8 aC) afirmaron que el arte es
siempre una mímesis y que su mérito
está en el valor didáctico de lo que representa y su buena representación, sin
establecer diferencias entre el retrato imaginado o real. Vitruvio en la segunda parte del siglo I,
describió la decoración de comedores donde se veían imágenes con comida y de
otras salas con paisajes o escenas mitológicas.6
En el renacimiento, Leon Battista Alberti quiso
elevar el grado de «artesano de la pintura» al de «artista liberal» afirmando:
«El trabajo más importante del pintor es la historia», con la
palabra historia se refería a la pintura narrativa, con
escenas religiosas o épicas « ... la que retrata los grandes hechos de los
grandes hombres dignos de recordarse difiere de la que describe las costumbres
de los ciudadanos particulares, de la que pinta la vida de los campesinos. La
primera tiene carácter majestuoso, debe reservarse para edificios públicos y
residencias de los grandes, mientras que la otra será adecuada para jardines
...»7
La aparición de la pintura al óleo en el siglo XVI y el coleccionismo, hizo que, aunque no se perdiera la
monumentalidad para murales narrativos, surgieran las pinturas más comerciales
y en otros formatos más manejables, así comenzaron a clasificarse los géneros
pictóricos y su especialización por parte de los artistas. En la Italia central
se continuó haciendo pintura histórica,
los pintores de la parte norte de la península itálica realizaban retratos y los de los Países Bajos realizaron la pintura de género a
pequeña escala presentando la vida campesina, el paisaje y lanaturaleza muerta. En 1667, André Félibien historiógrafo,
arquitecto y teórico del clasicismo francés, en
un prólogo de las Conferencias de la Academia hace una jerarquía de géneros de
la pintura clásica: «la historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores
y los frutos».8
La pintura histórica era
considerada grande genre e incluía las pinturas con temas
religiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos, era prácticamente
una interpretación de la vida y mostraba un mensaje intelectual o moral. Sir Joshua Reynolds,
en sus Discursos sobre arte expuestos en la Royal Academy of Arts entre
1769 y 1790 comentaba: «El gran fin del arte es despertar la imaginación ... De
acuerdo en correspondencia con la costumbre, yo llamo esta parte del arte
Pintura Histórica, pero debería decirse Poética .(...) Debe algunas veces
desviarse de lo vulgar y de la estricta verdad histórica a la búsqueda de
grandeza para su obra ». Aunque Nicolás Poussin fue el primer pintor que
realizó este género en formato más reducido, esta innovación tuvo poco éxito, Diego Velázquez en 1656 realizó Las Meninas con un tamaño que demuestra
simbólicamente que este retrato de la familia real entra dentro del género de
la pintura histórica, mucho más tarde Pablo Picasso en su obra Guernica de 1937, también emplea una gran
dimensión para esta pintura histórica.9
Dentro de la jerarquía de géneros,
el retrato tiene una ubicación ambigua e
intermedia, por un lado, representa a una persona hecha a semejanza de Dios,
pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar la vanidad de una persona. Históricamente, se ha
representado los ricos y poderosos. Pero con el tiempo, se difundió, entre la
clase media, el encargo de retratos de sus familias. Aún hoy, persiste la
pintura de retrato como encargo de gobiernos, corporaciones, asociaciones o particulares.
Cuando el artista se retrata a sí mismo se trata de un autorretrato. Rembrant exploró
en este sentido con sus más de sesenta autorretratos. El artista en general
intenta un retrato representativo, como afirmó Edward Burne-Jones:
«La única expresión que se puede permitir en la gran retratística es la
expresión del carácter y la calidad moral, nada temporal, efímero o
accidental.»10 En la técnica del óleo fue Jan van Eyck uno de los primeros que lo
impuso en los retratos, su Matrimonio Arnolfini fue
un ejemplo de retrato de pareja en cuerpo completo. Durante el renacimiento, representaron el estatus y éxito
personal del retratado, sobresalieron Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio yDurero.11 En España descollaron Zurbarán, Velázquez y Francisco de Goya. Los impresionistas franceses
también practicaron este género, Degas,Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne etc. En el siglo XX, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni,Lucian Freud, Francis Bacon o Andy Warhol.12
La pintura de género o
«escena de género» es el retrato de los hábitos de las personas privadas en
escenas cotidianas y contemporáneas del pintor, también se suele llamar
«pintura costumbrista». Los primeros cuadros más populares se dieron en los Países Bajos durante el siglo XVI y entre los
artistas más destacados se encuentran Pieter Brueghel el Viejo y Vermeer. No se sabe con seguridad si se trata de
simple representación de la realidad con un propósito de mera distracción, a
veces cómico, o bien se buscaba una finalidad moralizante a través de los
ejemplos cercanos al espectador. No hay duda de que, en el cuadro de género del
siglo XVIII, sí estaba presente la intención satírica o moralizante en obras como las deWilliam Hogarth o Jean-Baptiste Greuze.
En España, Diego Velázquez lo cultivó con su Vieja friendo huevos o El aguador de Sevilla, Francisco de Goya reflejó, en varias obras de
cartones para tapices, las fiestas populares, Bartolomé Esteban
Murillo hizo escenas de género de mendigos y jóvenes
picarescos. En Francia, Jean-Honoré Fragonard y Antoine Watteau hicieron un tipo de pinturas
idealizadas de la vida diaria.13
En China y Japón son los países donde, desde el siglo V,
se encuentran pinturas con el tema del paisaje. En Europa, aunque aparecen elementos de paisaje como fondo de
escenas narrativas, o tratados de botánica y farmacia, se inicia verdaderamente en el siglo
XVI, cuando con la aparición del coleccionismo se empezó a pedir temas de
cuadros campestres y a designar como especialistas a los pintores del norte de
Europa. Así de una manera específica se impuso el tema del «paisaje holandés»,
que se caracteriza por su horizonte bajo y los cielos cargados de nubes y con
motivos típicos holandeses como los molinos de viento, ganados y barcas de
pesca. Los paisajes venecianos de Giorgione y sus discípulos son con una
apariencia lírica y un bello tratamiento cromático, este tipo de pintura se
desarrolló sobre todo a lo largo de todo el siglo XVIII, en un estilo llamadovedutismo, que son vistas generalmente urbanas, en
perspectiva, llegando a veces a un estilo cartográfico, donde se reproducen imágenes
panorámicas de la ciudad, describiendo con minuciosidad los canales, monumentos
y lugares más típicos de Venecia, solos o con la presencia de la figura humana,
generalmente de pequeño tamaño y en grandes grupos de gente. Sus mayores
exponentes fueron Canaletto, Bernardo Bellotto, Luca Carlevarijs y Francesco Guardi. En la escuela de Barbizon fueron
los primeros en pintar al aire libre y hacer un estudio sobre el paisaje a base
de la luz y sus variantes que influyeron especialmente en la pintura impresionista.14
Es el género más representativo de la
imitación de la naturaleza de objetos
inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida,
utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc. y se puede decir, que es el
menos literario de todos los temas. Su origen está en la antigüedad donde se
utilizaba para la decoración de grandes salones, como los frescos romanos en Pompeya. Plinio el Viejo relata que los artistas
griegos de siglos antes, eran muy diestros en el retrato y la naturaleza muerta. Fue muy popular en el arte
occidental desde el siglo XVI, un ejemplo es La carnicería de Joachim Beuckelaer.
En el mismo siglo Annibale Carracci y Caravaggio representaron magníficas
naturalezas muertas. Durante el siglo XVII evolucionó en los Países Bajos un
tipo de bodegón, llamado «vanitas», donde se exponían instrumentos musicales,
vidrio, plata y vajilla, así como joyas y símbolos como libros, cráneos o
relojes de arena, que servían de mensaje moralizante de lo efímero de los
placeres de los sentidos. LaAcademia francesa lo catalogó en el último
lugar de la jerarquía pictórica. Con la llegada del impresionismo y junto con
la técnica del color, la naturaleza muerta volvió a ser un tema normal entre
los pintores, las pinturas de los Girasoles de Van Gogh son de los más conocidos. Los
artistas durante el cubismo pintaron también
composiciones de bodegones, entre ellos Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.15
El Juicio de Paris (1904)
de Enrique Simonet.
El desnudo es
un género artístico que
consiste en la representación del cuerpo humano desnudo. Es considerado una de
la clasificaciones académicas de las obras de arte. Aunque se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas
interpretaciones y significados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el estudio anatómico, o bien como representación de la belleza e ideal estético de perfección, como
en la Antigua Grecia. El
estudio y representación artística del cuerpo humano ha sido una constante en
toda la historia del arte, desde la prehistoria (Venus de Willendorf)
hasta nuestros días. Una de las culturas donde más proliferó la representación
artística del desnudo fue la Antigua Grecia, donde era concebido como un ideal
de perfección y belleza absoluta, concepto que ha perdurado en el arte clasicista llegando
hasta nuestros días, y condicionando en buena medida la percepción de la
sociedad occidental hacia el desnudo y el arte en general. En la Edad Media su representación se circunscribió
a temas religiosos, siempre basados en pasajes bíblicos que así lo justificasen. En el Renacimiento, la nueva cultura humanista, de signo más antropocéntrico, propició el retorno del desnudo
al arte, generalmente basado en temas mitológicos o históricos, perdurando
igualmente los religiosos. Fue en el siglo XIX, especialmente con el impresionismo, cuando el desnudo empezó a perder
su carácter iconográfico y a ser representado simplemente por sus cualidades
estéticas, el desnudo como imagen sensual y plenamente autorreferencial.16
Las técnicas de pintura se dividen de
acuerdo a cómo se diluyen y fijan los pigmentos en el soporte a pintar. En general,
y en las técnicas a continuación expuestas, si los pigmentos no sonsolubles al aglutinante permanecen
dispersos en él.17
Paleta
de pintor, pinceles y tubos de pintura al óleo.
El vehículo empleado para fijar el
pigmento son tipos de aceites y el disolvente es la trementina. La pintura al óleo se hace básicamente con
pigmento pulverizado seco, mezclado en la viscosidad adecuada con algún aceite
vegetal. Estos aceites se secan más lentamente que otros, no por evaporación
sino por oxidación. Se forman capas
de pigmento que se incrustan en la base y que, si se controla cuidadosamente
los tiempos de secado, se fijarán correctamente en las siguientes capas de
pigmento. Este proceso de oxidación confiere riqueza y profundidad a los
colores del pigmento seco, y el artista puede variar las proporciones de aceite
y disolventes, como la trementina, para que la superficie pintada muestre toda
una gama de calidades, opaca o transparente, mate o brillante. Por esta y por
otras razones, el aceite puede considerarse como el medio más flexible. Usado
de una manera conveniente, la pintura al óleo cambia muy poco de color durante
el secado aunque, a largo plazo, tiende a amarillear ligeramente. Su capacidad
de soportar capas sucesivas, permite al artista desarrollar un concepto
pictórico por etapas - Degasllamaba este proceso bien
amenée(bien llevado)- y la lentitud de secado le permite retirar pintura y
repasar zonas enteras. Las fotografías con rayos X demuestran que incluso los grandes
maestros introducían a menudo cambios durante el proceso de realización de un
cuadro.18
El vehículo son ceras que
normalmente se usan calientes. La encáustica, que deriva del griego enkaustikos ('grabar
a fuego'), es una técnica de pintura que se caracteriza por el uso de la cera
como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene efectos muy cubrientes y es
densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con una espátula
caliente. La terminación es un pulido que se hace con trapos de lino sobre una
capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como
aglutinante sino como protección). Esta operación se llama «encaustización» y
está perfectamente descrita por Vitruvio (c. 70-25 aC), que dice así: «Hay
que extender una capa de cera caliente sobre la pintura y a continuación hay
que pulir con unos trapos de lino bien secos.»19
Caja
de acuarelas.
El
Temerario remolcado a dique seco,J.M.W. Turner,
acuarela.
La acuarela es una pintura sobre papel o
cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son
transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el
fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de
pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea
la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura
en la composición que se está realizando. Requiere del artista la seguridad en
los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en
el frescor y la transparencia de los colores. Sin embargo existe la acuarela
hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices para
no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que se consigue
un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela
clásica.20
La témpera o gouache es un
medio similar a la acuarela, pero tiene una «carga» de talco industrial
o blanco de zinc. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el
carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela, permitiéndole
aplicar tonalidades claras sobre una oscura, procedimiento que en la acuarela
«clásica» se considera incorrecto. Es a su vez un medio muy eficaz para
complementar dibujos y hacer efectos de trazo seco o de empaste. Igual que la
acuarela su aglutinante es la goma arábiga, aunque muchas témperas modernas
contienen plástico. Con esta técnica François Boucher logró
grandes obras maestras, los artistas del siglo XVIII emplearon la acuarela y el
gouache juntos para dar distinción a una zona concreta de la pintura hecha con
acuarela . Según el pintor Paul Signac: «... determinados rosas violáceos de
los cielos de Turner,
ciertos verdes de las acuarelas de Johan Jongkind no se habrían podido conseguir
sin un poco de gouache.»21
La pintura acrílica es
una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos
en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente). Aunque
son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Se destaca
especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica
ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera
mitad del siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos. El pintor Jackson Pollock utilizó las pinturas
acrílicas tal como salen de los tubos para conseguir texturas nuevas y espesas
mientras que Morris Louis las
diluía con gran cantidad de agua para pintar grandes telas que quedaban con un
efecto de teñido más que de pintura.22
Caja
de barritas de pastel.
El barreño, Degas,
pintura al pastel.
La técnica de la pintura al pastel consiste en la utilización
de unas barras de colores cuyos pigmentos en polvo están mezclados con la
suficiente goma o resina para que queden aglutinados y formen una pasta seca y
compacta. La palabra pastel deriva de la pasta que así se forma; es pasta
modela en la forma de una barrita del grueso aproximado de un dedo que se usa
directamente (sin necesidad de pinceles ni espátulas, ni de disolvente alguno)
sobre la superficie a trabajar, como soporte es común utilizar papel de buena
calidad de buen gramaje de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque
la técnica es lo suficientemente versátil para que se pueda usar sobre otras
superficies como madera. Son colores fuertes y opacos, la mayor dificultad es
la adhesión del pigmento a la superficie a pintar, por lo que se suele usar
alfinalizar el dibujo fijadores atomazados (spray) especiales. El pastel generalmente
se usa como el «crayon» o el lápiz, su recurso expresivo más afín es la línea
con la cual se puede formar tramas, también suele usarse el polvo, que tiende a
soltar la barra del pastel, para aplicar el color. Muchos artistas han empleado
esta técnica desde el siglo XVI, Leonardo da Vinci, fue uno de los primeros en
utilizarlo en Italia en el dibujo de Isabel de Este. Otros artistas son Hans Holbein el Joven, Correggio, Fragonard o Degas.23
La pintura al temple tiene como aglutinante una emulsión de agua, clara y yema de huevo y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo con el
aceite hasta lograr una mezcla homogénea, después gradualmente agregar el agua
hasta crear la emulsión o médium de la técnica al temple. La
proporción es de un huevo entero, más una parte igual de aceite, más una, dos o
tres partes de agua, dependiendo de la fluidez que se quiera alcanzar. También
se puede agregar un poco de barniz «dammar» que reemplaza la parte de aceite de linaza, con este procedimiento se logra
mayor firmeza o agarre y un secado más rápido, sin embargo el acabado es más
impermeable a las nuevas veladuras. En lugar del agua se puede emplear leche
desnatada, látex de higuera o cera siempre con agua. Vasari también empleó en su descripción la palabra temple
para la composición de aceite con barniz. Grandes obras maestras como por
ejemplo El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli están realizadas con esta
técnica.24 Según explica D.V. Thompson:
Una
pintura al huevo bien hecha está entre las formas de pintura más duraderas que
ha inventado el hombre. Bajo la suciedad y los barnices, muchas obras
medievales al temple de huevo están tan frescas y brillantes como cuando se
pintaron. Normalmente las pinturas al temple han cambiado menos en quinientos
años que cuadros al óleo en treinta.
D.V. Thompson, The Materials and Tecniques
of Medieval Painting (1956) Nova York.
Pincel,
barra de tinta y tintero.
Tinta sobre papel,
siglo XIV, Japón.
La presentación de la tinta, también
llamada tinta china, es
generalmente líquida aunque también puede ser una barra muy sólida que se debe
moler y diluir para su uso. Se usa sobre papel y los colores de tinta más
utilizados son el negro y el sepia, aunque actualmente se usan muchos otros. La
tinta se aplica de varias maneras, por ejemplo con pluma o plumín, que son más
adecuados para dibujo o caligrafía y no para pinturas, las diferentes puntas de plumilla se
utilizan cargadas de tinta para hacer líneas y con ellas dibujar o escribir.
Otro recurso para aplicar la tinta es el pincel, que se utiliza básicamente
como la acuarela y que se llama aguada, pero la técnica milenaria llamada caligrafía o escritura japonesa también
está hecha con tinta y pincel sobre papel. Otras formas más utilitarias de usar
la tinta es el tiralíneas (cargador de tinta) o rapidograph. La
tinta junto con el grafito son más bien
técnicas de dibujo.
A menudo el término fresco se usa incorrectamente para describir muchas formas
de pintura mural. El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas lo
que el latín es a los idiomas modernos. La técnica
del fresco se basa en un cambio químico. Los pigmentos de tierra molidos y
mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa reciente de cal y arena,
mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio.
Debido al dióxido de carbono de
la atmósfera, la cal se transforma en carbonato de calcio,
de manera que el pigmento cristaliza en el seno de la pared. Los procedentes
para pintar al fresco son sencillos pero laboriosos y consumen mucho tiempo.
Esta técnica de pintura suele ser estable y de larga duración, aunque se puede
dañar por causas físicas, químicas o bacteriológicas, la más frecuente es la
humedad que consigue la alteración de los colores ante la disolución del
carbonato de calcio y el desarrollo del moho.25
Pigmento
de óxido de hierro.
Mural en la catedral de Vic de Josep Maria Sert.
Es una técnica pictórica basada en una
pintura monocroma en claroscuro: «luz y sombra»
como la llamó Giorgio Vasari, el
color está hecho de una mezcla de óxidos de hierro y de cobre y de un fundente,
que produce la sensación de ser un relieve escultórico. En el siglo XIV se
utilizó para esbozos prepatorios de los escultores para conseguir el efecto de
relieve mediante diversas gradaciones de un solo color. Bajo el reinado de Carlos V de Francia,
el uso de lagrisalla fue sobre todo en la miniatura, en los vitrales y en la pintura. Su utilización será una de las
características de la pintura flamenca: en el dorso de los retablos se solía
representar una Anunciación en grisalla (Políptico de Gante,Jan Van Eyck, para la catedral de San Bavón en Gante). Josep Maria Sert enfatiza aún más por su
evolución cromática, que termina apoyándose en un predominio de la monocromía
dorada. Empleaba una gama cromática limitada: oros, ocres, tierras tostadas,
con toques de carmín, utilizando como fondo una rica preparación en metal,plata y pan de oro.26
El puntillismo es la técnica que surgió en el neoimpresionismo por el estudio practicado
principalmente por el pintor Georges Seurat, que consiste en colocar puntos
pequeños esféricos de colores puros, en lugar de la técnica de pinceladas sobre
el soporte para pintar. Al haber relaciones físicas entre los colores,
la interacción entre los primarios y complementarios, consiguen con la posición
de unos junto a otros la mezcla óptica, a partir de una cierta distancia del
cuadro, que es capaz de producir el efecto de la unión entre ellos.27
El dripping es una pintura automática, que según
los surrealistas se consigue con ella una pintura
casual, hecha con gotas y salpicaduras de pintura, es la técnica pictórica
característica de la «action painting» estadounidense (pintura de acción). La
pintura se realiza por el artista caminando sobre la superficie a pintar con
grandes brochas o con el mismo bote de pintura, dejando caer el goteo del
color, normalmente esmalte, que es el que forma las manchas sobre el soporte.
Pintura
envasada en spray.
Graffiti en una calle
de Barcelona.
Se realiza con una pintura envasada en aerosoles que
se utiliza pulsando el botón superior por lo que sale en una aspersión muy fina
y permite pintar grandes superficies, normalmente los muros de las calles, a la
pintura conseguida de esta manera se le denomina graffiti. A finales del año 1970 se empezaron a
ver muchas de estas obras urbanas firmadas y cada vez más elaboradas, incluso
se fabrican pintura en aerosol exclusivamente para estos artistas, a veces se
utilizan plantillas para recortar la superficie que se quiere pintar, así como
también hay otras plantillas para letras en el mercado, aunque lo más corriente
es que los propios artistas se hagan las suyas.
A veces se emplean diversas técnicas en
un mismo soporte. El collage por ejemplo, que
es una técnica artística ( no pictórica por no ser pintada) se convierte en una
técnica mixta cuando tiene alguna intervención con guache, óleo , tinta o
cualquier otra pintura.28
Finalmente, sería conveniente distinguir
entre «procedimiento pictórico» y «técnica pictórica». Se entiende por
procedimiento pictórico la unión de los elementos que constituyen el
aglutinante o adhesivo, y los pigmentos. La forma de aplicar este procedimiento
pictórico se denomina técnica pictórica.29
Pintura con cera o
encàustica sobre tabla en Fayum.
Existe información sobre los materiales
empleados por los artistas en documentos escritos, notas dirigidas a otros
artistas y otra fuente es el examen técnico y científico de las obras de arte.
Estos exámenes sirven también para reforzar las pruebas documentales. Como es
natural los materiales empleados a partir del siglo XX son mucho más numerosos
y exhaustivos.30
El soporte cumple la función de ser el
portador del fondo y de las capas de pintura. Los
soportes son muy variados, los más tradicionales son elpapel,
el cartón, la madera, el lienzo y los muros,
a los que se puede añadir el metal, el vidrio, el plástico o el cuero entre
otros. Todos necesitan de una imprimación especial según el procedimiento
pictórico que se quiera seguir.31
La tabla de madera ha sido de los
soportes más utilizados desde siempre, los artistas egipcios ya pintaban sobre
la madera de los sarcófagos y
especialmente en la Edad Media, los retablos o los frontales de altar. Su
imprimación es suficiente con una capa de cola o en caso de tener que dorar con pan de oro, hay que hacer otra preparación de
colas, yeso y arcilla previas, y también fue el principal
soporte para la pintura de caballete europea hasta el siglo XV.32 La madera maciza empleada
antiguamente se había de cubrir con tiras de tela de lino encoladas
para disimular las juntas, también a veces se cubría completamente con la tela,
así se evitaban posibles grietas posteriores. Así lo explica Cennino en su obra Il
Libro dell'Artedel año 1390.33 Se utilizan también el contrachapado y el conglomerado,
tableros prefabricados que ofrecen la característica de tener las superficies
lisas y sin uniones, se encuentra el llamado táblex que
además de ligero, tiene dos caras una lisa y otra rugosa, se suele utilizar por
la parte rugosa ya que la lisa necesita una preparación para que la pintura se
adhiera a ella correctamente.34
Vista posterior de un
bastidor en construcción, soporte de madera sobre el cual tensar el lienzo.
Plinio el Viejo narró que el emperador Nerón encargó un retrato suyo sobre una tela de 36,5 metros de
largo. Heraclio en su manuscrito De Coloribus te Artibus
Romanorum del siglo X, describía cómo se preparaba un lienzo de lino
para poder pintarlo y dorarlo, tensando la tela y preparándola con cola de pergamino. La pintura sobre tela fue utilizada
sobre todo en el norte de Europa y
después en Italia por su gran ligereza, a partir del siglo XVIIIse hizo corriente su utilización en
bastidor fijo y desde el siglo XIX se
comercializó en serie.32
Los lienzos más usados son los
provenientes de fibras vegetales como : el cáñamo, el lino,
el yute con tramado fino o el algodón, todos se presentan con grano fino o
grueso según el resultado que quiera el artista de su trabajo, también hay
soportes realizados con tejido de poliéster. Estos lienzos se pueden adquirir a
metros y montarlos sobre marco el propio pintor o utilizar los que hay en el
mercado de diferentes tipos y formatos. Existe unanumeración
internacional para las medidas de largo y ancho de cada
bastidor, además tres formatos diferentes para cada número que corresponde a:
«figura», «paisaje» y «marina», el tamaño de un lado es siempre el mismo y el
otro va disminuyendo, por ejemplo el «40 figura» mide 100 x 81 cm, el «40
paisaje» mide 100 x 73 cm y el «40 marina» mide 100 x 64 cm. Naturalmente no
hay que seguir esta regla, cada autor puede realizar su obra libremente en la
medida que más desee.35 La mayoría de lienzos del mercado
están preparados con aceite de linaza y tapaporos y también
existen preparaciones a base de emulsiones aptos para el óleo o el acrílico,
así se simplifica la preparación de imprimaciones para diferentes tipos de
pintura y se obtiene siempre el mismo resultado.36
Vidrio pintado
greco-romano del siglo II.
No es un soporte muy común, pero fue
usado principalmente durante el siglo XVI en láminas muy delgadas y por
pintores del norte de Europa, como el artista alemán Adam Elsheimer. El tamaño normalmente pequeño de
estas planchas hace pensar que los artistas que las emplearon, las habían
reciclado de antiguos grabados.32
Otro soporte para pintar es el vidrio,
realizado en objetos (jarras, vasos)
con esmalte que una vez decorados en frío, debe ser sometido, para su fijación
al soporte, al calor del horno con una temperatura inferior a la fusión del
vidrio.37 Fue el soporte para vidrieras de
catedrales desde el siglo XII, donde se
colocaban cristales de colores y la pintura sobre el mismo vidrio por medio de
la grisalla, así se conseguía por un lado, cambiar el color del cristal de
fondo y por otro, hacer los trazos de las figuras representadas, especialmente
los rostros.38
Dibujo sobre papel de
arroz chino (1729).
Se han datado hallazgos de papel
procedentes de China cerca del 200 a. C.. Se da como inventor del papel al chino Cai Lun (50 a. C.-121), eunucoimperial, que mejoró la fórmula del papel, convirtiéndolo
en una alternativa al papiro y al pergamino, los soportes tradicionales para la escritura, gracias al añadido de almidón que
protegía las fibras vegetales. El soporte del papel es utilizado en diversas
técnicas pictóricas, las más corrientes son la acuarela, el gouache, el pastel
y la tinta china negra o en colores. Hay gran variedad de texturas, pesos y
colores, y su elección depende del estilo del artista. Existen tres tipos
estándares:
·
Papel
prensado en caliente: tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas
consideran una superficie demasiado resbaladiza para la acuarela.
·
Papel
prensado en frío: es texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y
lisos.
·
Papel
áspero: con una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un
efecto moteado por las cavidades del papel.
El peso del papel es la segunda
consideración para su elección, ya que un papel más pesado tiene menos
tendencia a ondularse. Para evitar que el papel se ondula hay tensarlo. El
gramaje apropiado para la acuarela es entre 120 g/m² subasta 850 g/m².
Los pinceles, son un instrumento clásico y efectivo que el pintor
emplea en su trabajo. Los pinceles pueden variar en tamaño, anchura, y calidad.
Losmateriales de los componentes de los pinceles
y brochas pueden ser orgánicos o sintéticos.
Pinceles diversos.
El pincel consta de tres partes: el pelo, la férula o virola
y el mango. Se distinguen por el pelo y su forma, los planos y los de «lengua
de gato» suelen ser de pelo duro y los redondos de pelo fino. Los pinceles los
escogen los artistas según el trabajo a realizar y su forma de tratar la
pintura. Para preparar grandes superficies utilizan las brochas grandes, el
interior de las cuales está vacío para recoger una mayor cantidad de pintura,
otras brochas más pequeñas ya no tienen el vacío central. Las cerdas de los pinceles
suelen ser naturales provenientes de diferentes animales (caballo, marta, cerdo etc.)
o de crines artificiales. Los pinceles, requieren ser tratadas con cuidado para
así prolongar su vida útil; esto incluye su limpieza continua. Una forma eficaz
de mantener las cerdas de los pinceles en buen estado, es quitar el excedente
de pintura, limpiarlos con disolvente y lavarlos con jabón, secar la humedad
con una franela y guardarlos horizontalmente o con las cerdas hacia arriba. Se
utiliza también como medio para imprimir la pintura rodillos de diferentes
tamaños y materiales, como los de lana, goma-espuma o fibras, esponjas naturales o artificiales y los
cuchillos paleta y lasespátulas metálicas de
hoja flexible en formas diversas sirven para unir diferentes colores y también
para pintar con ellas.39
Interior con una mujer
bebiendo en compañía de dos hombres por Pieter de Hooch. A través de la transparencia de
la falda de la mujer de la derecha y de la capa del hombre, a medida que pason
los años se aprecia las baldosas pintadas anterioremente como fondo de la
pintura.
En la diversidad de soportes, se
acostumbra a modificar antes de comenzar la pintura en ellos, con un
tratamiento de imprimación el fondo,
que alcanza una superficie pintada con el color y la textura deseada por el
artista. Solían hacerse por medio orgánico como el aceite o la cola, mezclado
con el color blanco o coloreado, estos medios adhesivos han sido las colas de
animales y de pescado, los secantes y las emulsiones de huevo, aceite o resina
, el color sólido solía ser la cal, la piedra pómez y la tierra ocre.
Esto definía también el efecto visual de la obra finalizada. Este color en el
fondo del soporte, consigue en un blanco reflejar la luz a través de las capas
de pintura y si es un color oscuro tiende a rebajar el tono de la pintura.40
La Pintura
Según Giorgio Vasari explica en su tratado Sobre
la técnica en el prólogo técnico de Las Vidas (1550),
los fondos oleosos tienen la ventaja de conservar su flexibilidad en los
lienzos de grandes dimensiones y que se puedan enrollar para trasladarlos,
aunque necesitan de un tiempo mayor para su secado. Durante los siglos XVII y
XVIII se utilizaron mucho los fondos pintados con tonos de tierra rojizas, lo
que permitía dejar algunos espacios sin poner pintura y el cuadro ganaba en
uniformidad tonal. Desde el siglo XIX los fondos comerciales han sido
preparados industrialmente con blanco de plomo y secante.41
Los pigmentos se dividen en inorgánicos como
los derivados de minerales, las tierras, sales
u óxidos con los que se consiguen los colores de tierras ocres y sienas, y los orgánicos derivados
de vegetales o animales como los conseguidos por cocción de semillas o
calcinación y los obtenidos por vía sintética como anilinas también de compuesto orgánico.
Los orgánicos suelen ser menos estables que los inorgánicos. El pigmento junto
con elaglutinante forma
la pintura. El aglutinante es el que permite alcanzar la fluidez en el pigmento
y conseguir la adhesión de la pintura en la superficie, puede ser acuoso o
graso. El disolvente tiene la misión de diluir o disolver y su tipo depende de
la clase del aglutinante empleado. Así el aguarrásdiluye el aceite y disuelve la resina, y
el agua disuelve la goma y una vez disuelta, también puede diluirla más.42
Según el índice de opacidad de la pintura
utilizada, a medida que pasan los años, puede captar mejor el fondo de una
pintura y los «arrepentimientos» del artista durante su ejecución. En pinturas
realizadas anteriormente al siglo XVIII se pueden observar las partículas
del pigmento mediante unmicroscopio, cuanto más
grueso era el grano del pigmento más baja calidad tenía la pintura. Durante el
siglo XIX se sintetizaron materias colorantes que se usaban como pigmentos, el
azul cobalto, el amarillo zinc y el óxido de cromo entre otros. El número de
pigmentos ha ido creciendo hasta la actualidad en que existe una gran variedad
y todos de excelente calidad.43
